STEPHEN COLBERT CULMINÓ EL PROGRAMA CON UNA EMOTIVA INTERPRETACIÓN DE "HELLO GOODBYE" DE PAUL McCARTNEY, MIENTRAS EL EX BEATLE APAGA LAS LUCES DEL ED SULLIVAN THEATRE

Por: Chris Willman

Paul McCartney, invitado sorpresa en el último episodio de 'The Late Show With Stephen Colbert', ofreció un emotivo cierre a la temporada al tener el honor de apagar las luces del Teatro Ed Sullivan, un lugar con el que tiene una larga historia.

El número final incluyó a McCartney y Colbert interpretando el clásico de los Beatles "Hello Goodbye", acompañados por Elvis Costello, el ex director de la banda Jon Batiste y el actual director Louis Cato. Posteriormente, se unió al escenario un grupo de miembros del personal bailando, mientras la banda del teatro le daba a la canción de los 60 un toque final al estilo de New Orleans.

Luego, en un segmento grabado, se vio a Colbert llevando a McCartney tras bambalinas hasta los interruptores eléctricos, donde el legendario rockero accionó un interruptor que no solo apagó las luces, sino que también transportó el Teatro Sullivan a un portal interdimensional verde, presentado previamente en el programa por Neil deGrasse Tyson.

Este gesto simbólico se produjo después de que McCartney fuera el último entrevistado y el último artista musical del programa, en el que el presentador le pidió que compartiera anécdotas sobre su primera visita al teatro hace 62 años.

 “Hello Goodbye” no fue el único número musical hacia el final de la transmisión final extendida. En otro segmento grabado, Colbert estuvo acompañado por Costello y Batiste para interpretar sentados una canción que seguramente era desconocida para el 99% de la audiencia: “Jump Up”, una canción de blues que Costello escribió a mediados de la década de 1970 y que no se publicó hasta décadas después, como una demo incluida como pista extra en una edición de lujo de 'My Aim Is True'

Colbert le preguntó a McCartney sobre sus recuerdos de la visita de los Beatles al teatro. “Nunca habíamos estado en Estados Unidos; llegamos aquí y la gente decía que este era el show más grande”, recordó el músico. “Para ser sinceros, nunca habíamos oído hablar de él. Ya sabes, Inglaterra”, añadió, para explicar su desconocimiento del programa de variedades más popular de Estados Unidos. “Fue fantástico… Había que bajar unos pisos para que nos maquillaran… Bajamos y las chicas nos maquillaron y era de un naranja brillante”

"Eso es muy popular en ciertos círculos últimamente", respondió Colbert, en una de las pocas referencias a Donald Trump en un episodio que, por lo demás, se mantuvo sorprendentemente apolítico. "Ahora sabemos dónde empezó. Muchas gracias, Paul McCartney", bromeó.

La aparición de los Beatles en 'The Ed Sullivan Show' el 9 de febrero de 1964 suele considerarse el punto de inflexión que impulsó al grupo, que ya estaba en pleno ascenso, a convertirse en el grupo más exitoso de la historia de la música. Este momento clave de la Beatlemanía fue visto por unos 73 millones de espectadores, aproximadamente la mitad de la población estadounidense de la época.

Colbert le preguntó a McCartney si él y sus compañeros Beatles estaban nerviosos al llegar al programa de Sullivan. "Estábamos un poco nerviosos, pero éramos jóvenes y estábamos algo engreídos", respondió McCartney, sugiriendo que estaban más confiados que ansiosos. "Fue muy emocionante. Estados Unidos es la cuna de toda la música que amamos: el rock and roll, el blues y todo lo demás, incluso desde Fred Astaire". De repente, se puso patriota. "La tierra de la libertad; la mayor democracia". Aunque el público quizás esperaba que el presentador hiciera algún chiste, se abstuvo respetuosamente. McCartney añadió: "Así era, y espero que siga siéndolo"

El último programa de Colbert se mantuvo alejado de la política en su mayor parte, e incluso el monólogo inicial se inclinó hacia chistes menos incisivos sobre temas triviales como los baches en una pista de aeropuerto, como si el presentador quisiera evitar una despedida conflictiva.

Durante la noche, un grupo de famosos invitados apareció de repente, muchos de ellos entre el público bromeando sobre cómo esperaban ser el último invitado, entre ellos Bryan Cranston, Paul Rudd, Ryan Reynolds, Tim Meadows y Tig Notaro. Luego, Colbert bromeó con presentar al Papa Leo como el último invitado, mostrándolo como alguien que se negaba a salir de su camerino, antes de que el verdadero invitado saliera para una entrevista que se extendió durante las pausas comerciales.

McCartney se tomó un descanso mientras Colbert decía que necesitaba ir tras bambalinas para investigar una misteriosa luz verde y un zumbido. Allí, encontró el supuesto agujero de gusano, con deGrasse Tyson explicando la física antes de ser absorbido, seguido de la reaparición de sus compañeros presentadores de programas nocturnos Jimmy Kimmel, Jimmy Fallon, Seth Meyers y John Oliver, quienes habían participado en el programa en vivo la semana anterior. Explicaron que el agujero metafórico también vendría por ellos, pero que el cancelado Colbert tenía que irse primero. Elijah Wood también hizo una breve aparición/reacción de un segundo cuando se hizo una referencia despectiva a 'El Señor de los Anillos'

No se había anunciado ningún invitado para el último programa de Colbert, aunque corrían rumores de que sería McCartney, cuyo nuevo álbum, 'The Boys of Dungeon Lane', sale a la venta el 29 de mayo. McCartney apareció en 'Saturday Night Live' el fin de semana pasado para interpretar el sencillo "Days We Left Behind", junto con los clásicos posteriores a los Beatles "Band On The Run" y "Coming Up"

McCartney había visitado ocasionalmente el Teatro Ed Sullivan en los 62 años transcurridos desde la histórica actuación de los Beatles en ese lugar. El 15 de julio de 2009, él y su banda tocaron en lo alto de la marquesina para un episodio del programa de David Letterman. Después de que Colbert tomara las riendas del programa tras la jubilación de Letterman, McCartney acudió en 2019 para una entrevista con el fin de promocionar su libro infantil.

La relación de McCartney con Colbert fuera del programa de CBS se remonta a 2013, cuando realizó una entrevista y actuación de una hora con el presentador para su serie de Comedy Central, 'The Colbert Show'

CBS anunció a principios de semana que el final de 'The Late Show' se extendería más de lo habitual, sin ajustarse a su horario habitual de una hora. Ya existía un precedente: la despedida de David Letterman del programa en 2015 se extendió 17 minutos. El final del programa 'Late Show' del jueves por la noche se extendió un poco más de lo previsto, terminando a las 12:54 pm (hora del este)

Se desconoce si el Teatro Ed Sullivan permanecerá cerrado por mucho tiempo o indefinidamente, ya que CBS no ha anunciado ningún plan futuro para el recinto, pero ya no cuenta con una franquicia de programas nocturnos que requiera uno. Su designación como monumento histórico exige que siga funcionando como teatro, aunque esto podría significar que continúen las grabaciones o que vuelva a ser una sala de cine convencional.

Se inauguró como el Teatro Hammerstein en 1927 y funcionó como teatro de Broadway durante nueve años. Posteriormente, pasó a llamarse Teatro Manhattan y luego Sala de Conciertos Billy Rose. En 1936 se convirtió en un estudio de grabación de CBS Radio, y en 1948 pasó a ser un estudio de televisión. Tras albergar los programas de Arthur Godfrey y Jackie Gleason, se convirtió en la sede de Ed Sullivan en 1953, aunque se le conocía como Estudio 50 hasta que fue rebautizado oficialmente como Teatro Ed Sullivan en 1967. El local permaneció cerrado con frecuencia tras su retirada en 1971, pero se utilizó de forma intermitente para rodajes antes y después de ser declarado monumento histórico en 1988. Letterman se instaló allí y el teatro volvió a utilizarse a diario en 1993, momento en el que CBS compró el local que había alquilado durante mucho tiempo.

Publicado en Variety el 21 de mayo de 2026)

[Traducido y editado por Carlos E. Larriega para Mundo Beatle]

En el canal oficial de youtube del programa de Steven Colbert se subió algunos videos del último show. A continuación los relacionados con Paul McCartney.

"We're Live, And We Sound Good Man" - Paul McCartney On The Beatles Playing The Ed Sullivan Show

[ "Estamos en vivo, y sonamos de maravilla" -  Paul McCartney sobre la actuación de los Beatles en el programa de Ed Sullivan]

"I Have A Cheese And Pickle Sandwich, With A Margarita" - How Paul McCartney Unwinds On His Tour Bus

[ "Me como un sándwich de queso y pepinillos, con una margarita" - Como se relaja Paul McCartney en su autobús de gira]

After "The Late Show" Series Finale, Will All Of Late Night Television Be Destroyed?

[ Tras el último episodio de 'The Late Show', ¿será destruida toda la televisión nocturna?]

"Jump Up / Hello Goodbye"  - Paul McCartney, Elvis Costello, Jon Batiste, Louis Cato & Stephen Colbert

MATERIAL BEATLE EN FASCÍCULO DE JUNIO DE RECORD COLLECTOR

El fascículo 584 de Record Collector que corresponde a junio de 2026 y trae una portada dedicada al Punk incluye en el interior de sus 132 páginas material relacionado a memorabilia Beatles valiosa, reseñas de los álbumes de Yoko Ono (Season Of Glass), Sean Lennon y Les Claypool, Paul McCartney y Ringo Starr. 

En la página 14 en la sección Noticias hay un anuncio sobre el regreso de la promoción de The Secret Seven, donde se incluye un single de John Lennon: 

El Regreso de Secret Seven

Llega la décima edición anual de sencillos benéficos con portadas únicas. Del 18 de agosto al 2 de septiembre, se ofrecerán 700 sencillos de 7 pulgadas, cada uno con una portada personalizada, a beneficio de la organización benéfica War Child. La exposición de los diseños tendrá lugar en 180 Studios, Temple, Londres, del 18 al 30 de agosto. Los sencillos disponibles son: John Lennon (Out The Blue), The Last Dinner Party (Let’s Do It Again!), Gabrielle (Out Of Reach), The Maccabees (No Kind Words), Skin (Purple), Glass Animals (Take A Slice) y Bastille (Hope For The Future). Los artistas pueden enviar sus diseños para uno de los siete sencillos de 100 copias a través del sitio web de Secret 7 hasta el 1 de junio. Visita secret-7.co.uk. 

En la columna 'MOST WANTED' en la página 36 dedicada a la memorabilia más valiosa y buscada figuran algunos items de The Beatles

THE BEATLES - Poster Yellow Submarine  $2,176

Este segundo póster promocional de formato cuádruple, de 1968, está impreso en papel, tiene un reverso de lino y fue diseñado por el ilustrador alemán Heinz Edelmann, director artístico de la película.

Exhibición de THE BEATLES  $5,500

Exhibición promocional colgante de dos piezas para la canción Yellow Submarine, unidas con cuerda Hecha de cartón. Pathé Marconi, una compañía de grabación de audio en Francia, más tarde pasó a formar parte de EMI.

Los artículos coleccionables se siguen mostrando en la página 37:

Póster de los Beatles $3250

Un anuncio de los años 60 de la panadería Scotts en Liverpool, Reino Unido. El Ringo Roll era un producto de panadería. 

Finalmente hay un item valioso más en la página 38:

THE BEATLES Flexidisc  $12,000

Este flexidisc de vinilo rojo de 4 pulgadas, fabricado en 1966 por Ameridisc como prototipo para pruebas de control de calidad, incluía los temas Yellow Submarine y Eleanor Rigby en este disco de bolsillo de doble cara.

En la sección Not Forgotten dedicada a los músicos que han partido del mundo material se incluye un obituario de Dave Mason. Se encuentra en la página 40:

Dave Mason falleció el 19 de abril a los 79 años. El cantante, compositor y guitarrista fue cofundador de Traffic, autor de clásicos como "Feelin’ Alright?" y "Only You Know And I Know". Nacido en Worcester, tocó con bandas locales antes de formar Traffic en 1967 con el cantante y multiinstrumentista Steve Winwood (quien recientemente había alcanzado la fama con Spencer Davis Group), el baterista Jim Capaldi y el flautista Chris Wood. Viviendo en comunidad en una casa de campo alquilada, el grupo abrazó la psicodelia, logrando un éxito número 2 con el sencillo "Hole In My Shoe", compuesto e interpretado por Mason. Tras el lanzamiento de su álbum debut, Mr. Fantasy, Mason abandonó la banda a finales de 1967, alegando diferencias artísticas. Se reincorporó al grupo al año siguiente y compuso la mitad de las canciones de su segundo álbum homónimo, incluyendo "Feelin’ Alright?". Posteriormente versionada por Joe Cocker, la canción se convirtió en un clásico. Sin embargo, las tensiones con Winwood provocaron su despido poco después del lanzamiento del álbum.

Posteriormente, Mason desarrolló una carrera itinerante, contribuyendo a numerosas grabaciones clásicas para otros artistas. Colaboró ​​con Jimi Hendrix tocando la guitarra acústica en "All Along The Watchtower" y haciendo coros en "Crosstown Traffic". Para The Rolling Stones, añadió el shehnai indio a "Street Fighting Man" y también participó en el triple álbum de George Harrison, 'All Things Must Pass'. Formó parte de la banda de Eric Clapton, Derek & The Dominos, durante un breve periodo y se unió a Fleetwood Mac en los 90. De gira con la banda, participó en su álbum de 1995, 'Time'. Mason también disfrutó de una exitosa carrera en solitario, grabando 15 álbumes de estudio, comenzando con 'Alone Together' en 1970, siendo su último álbum 'A Shade of Blues' en 2023.

En la página 82 hay una foto de Paul y Linda con la siguiente descripción:  "La vieja ola: Macca y Linda se preparan para su próxima aventura" . El título es 'Silly Love Songs' (Tontas Canciones de Amor) y a continuación viene una intro para la temática central del artículo acerca del Chart Pop 1976.

"Es fácil tener la impresión de que el punk lo dominaba todo en 1976. No del todo. En realidad, durante aquel largo y caluroso verano y aquel frío y oscuro invierno, salvo el álbum debut de los Ramones y los sencillos de los Pistols y The Damned, era más probable que escucháramos baladas de soft rock, proto-disco, éxitos de los 60 y fiestas extravagantes. El punk, como informa Chris Roberts, aún no había llegado a las listas de éxitos…"

En la sección de Reseñas en la página 93 Terry Staunton le concede 4 estrellas al álbum Season Of Glass de Yoko Ono:

LA FUERZA DE LA VIUDA

La decidida señora Lennon canaliza su dolor personal en la música, trazando un camino que ayuda a millones de personas a sobrellevar el duelo.

Por: Terry Staunton 

Yoko Ono

Season Of Glass

★★★★

Secretly Canadian SC 286 (CD, LP)

Foto (Yoko Ono): Allen Tannenbaum

Menos de dos meses después de la muerte de John Lennon, Yoko Ono lanzó la canción más comercial de su carrera y alcanzó el Top 40. Casi terminada la misma noche del fatal tiroteo que conmocionó al mundo, "Walking On Thin Ice" es una pieza musical cautivadora desde el primer momento. Sus seis minutos de ritmos casi tribales envuelven una letra escalofriantemente premonitoria que reflexiona sobre la mortalidad: "Cuando nuestros corazones se conviertan en cenizas, solo será una historia"

Posteriormente, se incluyó como sencillo extra en el siguiente álbum de Ono, complementando un LP repleto de pensamientos y temas inspirados por la pérdida de su esposo, que generó controversia incluso antes de llegar a las tiendas de discos. Lo más llamativo fue que la promoción previa del disco reveló en la portada una imagen de las gafas manchadas de sangre que John llevaba puestas cuando fue asesinado a tiros frente a la casa de la pareja en el edificio Dakota, en el Upper East Side de Manhattan.

Las acusaciones de mal gusto eran inevitables, quizás esperadas de observadores que nunca habían ocultado su desdén por Yoko y su supuesto papel en la separación de los Beatles y su continua influencia en el trabajo posterior de Lennon tras la disolución de los Fab Four. La indignación aumentó aún más cuando los oyentes escucharon "No, No, No" y su ráfaga inicial de cuatro disparos. Es una canción cruda y desafiante, posiblemente arraigada en la terapia del grito primal que ella y John habían adoptado años antes, y Ono se muestra igual de enfadada, aunque un poco más contenida, en el ritmo medio de "I Don’t Know Why": 'Mi mundo está tan vacío', canta, 'mi cuerpo está tan vacío… sin ti'

Acostumbrada a los titulares desfavorables a lo largo de su carrera, Ono no debería haber sido criticada con tanta dureza; más bien, merece ser aplaudida por tener el valor y la sinceridad de procesar lo que había vivido durante los seis meses anteriores en un escenario tan público. Se expresó con admirable elocuencia cuando tuvo la oportunidad de explicar las intenciones del álbum en una entrevista con Rolling Stone poco después de su lanzamiento. “Primero te despides de la tristeza, y luego hay recuerdos de diferentes aspectos de nuestra relación”, dijo. “Después de eso, al final, una mujer intenta valerse por sí misma. Es mi diario”

 

Rara vez se publican diarios con la total ausencia de retoques que Ono demuestra aquí; permitir un acceso tan libre a las consecuencias de eventos que cambiaron su vida es un paso audaz, pero uno que reconoce que John no era solo su esposo, que en muchos sentidos nos pertenecía a todos. Millones de palabras se publicaron tras su muerte, por amigos, contemporáneos, críticos y todo tipo de admiradores, pero son los elogios de Yoko, a veces indirectos pero siempre reflexivos, los que tienen mayor fuerza: la crónica de una mujer que camina sobre hielo fino. 

Aunque hay canciones escritas y grabadas parcialmente antes de la muerte de Lennon (aparece acreditado como guitarrista y tecladista en la carátula), la esencia de Season Of Glass reside en cómo las reinterpretó al regresar al estudio en marzo de 1981. Obligada inevitablemente a rememorar la vida que compartió con John, una vida que ya no existía, reflexiona sobre el pasado en temas como la balada jazzística Goodbye Sadness (inspirada en la separación temporal de la pareja a mediados de los 70), mientras que el lánguido lamento Mindweaver (título provisional: Mindfucker) admite que no todo en la vida de los Lennon fue siempre color de rosa.

En definitiva, es un álbum donde la angustia de la supervivencia se entrelaza con el dolor y el placer de la memoria, una colección de canciones que transportan al oyente a un viaje profundamente personal a través del duelo, la vulnerabilidad, la confusión y la fortaleza. En el contexto más amplio del arte compartido de los Lennon, es tan significativo y revelador como casi cualquier otra cosa en la discografía de John. Si bien Season of Glass puede interpretarse como una forma de terapia para la propia Ono, se presenta de una manera que sirve de bálsamo reconfortante para todos los seguidores de Lennon. La dignidad con la que abre su corazón —a muchos que antes la habían tratado con desprecio, no lo olvidemos— es asombrosa. Después de 45 años, sigue siendo un disco fascinante que ilustra la bondad y generosidad de esta mujer.

En la sección de 'Nuevos Álbumes' en la página 98 Daryl Easlea le concede 4 estrellas en su reseña del nuevo álbum de Paul McCartney:

VIAJE A LA NOSTALGIA

Macca regresa a sus orígenes con su vigésimo primer álbum en solitario, un disco contemplativo y conmovedor.

Por: Daryl Easlea

Paul McCartney
The Boys Of Dungeon Lane
★★★★
MPL 5724861 (CD, LP)

El actor cómico Harry Enfield, en su reciente gira por el Reino Unido, resumió a la perfección la esencia de Paul McCartney, hablando con cariño de la absoluta fascinación infantil del Beatle ante todo, con una rápida imitación: «¡Guau, mira el cielo!», «¡Guau, mira el campo!». Y es cierto, esa ingenuidad de ojos grandes ha sido su sello distintivo durante años. Si bien la percepción de su estilo ha fluctuado desde los 90, ahora se le acoge con entusiasmo.

The Boys Of Dungeon Lane, el vigésimo primer álbum en solitario de McCartney (y el decimoctavo acreditado exclusivamente a él), rebosa de esta inocencia quijotesca. Grabado en seis estudios diferentes del Reino Unido y Estados Unidos, McCartney se ha unido a Andrew Watt, quien recientemente produjo a los Stones y a Elton John. A sus 35 años, parece tener un don para sacar grandes interpretaciones de grandes artistas, y en este disco McCartney toca casi todos los instrumentos. El álbum rebosa de la gloria de las cosas sencillas del mundo actual: el amor, la euforia de un festival, la primera estrella de la noche y la nostalgia.

Ah, sí, la nostalgia. La nostalgia ha impregnado la composición de McCartney desde mediados de los 60, cuando comenzó su añoranza por el pasado. Al igual que con John Lennon, la pérdida de sus madres influyó en su obra con una resonancia conmovedora, dando lugar a canciones como "In My Life", "Strawberry Fields Forever" y "Penny Lane". Siete años después de comenzar su carrera, McCartney estaba convencido de que él y su banda volverían a sus orígenes. Y así, a sus 83 años, y siendo una de las personas más famosas del mundo durante más de 60 años, McCartney se ha ganado el derecho, en seis de las catorce canciones del álbum, a rememorar una vez más aquellos días; capturados antes de la fama, cuando todo parecía fácil. El título del álbum, tomado de Days We Left Behind, ha puesto de relieve una zona de Speke largamente olvidada donde McCartney vivió por primera vez (irónicamente, gran parte de ella ahora está ocupada por el Aeropuerto Internacional John Lennon); y la portada desplegable del álbum es un collage de fotos de los Beatles, sus familias y amigos anteriores a 1964 que acentúan esta celebración del pasado.

Para el hombre que lo ha hecho todo, existe la fuerte sensación de que McCartney todavía desearía estar sentado en el transporte público con sus amigos. Los autobuses aparecen en tres de las canciones, de manera conmovedora en el traqueteo a lo Wilbury de That Sound ("El frenado de un conductor de autobús que se detiene / El sonido de una feria lejana"). También hay algo entrañable en oírlo cantar sobre las calles de Liverpool: Days We Left Behind (su calle natal, Forthlin Road); Down South (Chester Road) y en Salesman Saint, McCartney da en el clavo con los versos: "La guerra casi había terminado / La paz pronto comenzaría / Viviendo en las afueras de la ciudad / Cuando las carreteras se estaban hundiendo"). Es esta sencillez la que deja al oyente boquiabierto; escribiendo en nanas y rimas infantiles que describen el día a día con una maestría propia de un poeta laureado. De la misma canción, la mención del "té caliente y los cigarrillos" en su casa es otro verso que dice muy poco pero transmite muchísimo. Down South y Days We Left Behind son los flashbacks más explícitos; en el primero, hacer autostop fue una buena manera de conocer a George Harrison y Lennon "antes de que aprendiéramos a bailar y gritar"; el "código secreto" que Lennon y McCartney establecieron en el segundo; y en los cielos (azules y suburbanos, sin duda) donde "las alondras se elevan, por encima del sonido de la guerra". Pero aún existe la necesidad de mirar hacia adelante; si bien nadie puede borrar los días que quedaron atrás, nada permanece igual. Home To Us cuenta con Ringo Starr en la batería y la voz (además de Chrissie Hynde y Sharleen Spiteri), y reflexiona sobre los cambios que han experimentado los chicos de Liverpool: "Las rosas del jardín empezaron a marchitarse y luego se convirtieron en polvo", meditan, antes de recalcar: "Pero era nuestro hogar"

Momma Gets By, quizás cuestionable por sus estereotipos de género, presenta a una esposa y madre que sufre mucho y soporta a un hombre que "se va a la cama" y "se droga", mientras ella "lo acepta con entereza" porque "lo ama con todo su corazón y su alma". Es For No One, Lady Madonna y Another Day; una historia doméstica de McCartney, pero con una orquestación exquisita, que cierra el álbum de la manera más serena.

La serenidad reside en su amor por Nancy; en Ripples On A Pond afirma enfáticamente: "A veces siento que eres tan buena para mí, debo ser una bendición", y más tarde, en Life Can Be Hard, canta: "Quizás la luz de las estrellas que brilla en sus ojos le canta a la luna en su cabello". También hay algunos temas de rock decentes. As You Lie There, sobre un amor platónico adolescente de Liverpool, es una canción de apertura vibrante; Come Inside tiene ese aire ácido de 1985. Mountain Top es quizás demasiado retro y hippie, pero sigue siendo tremendamente divertido.

The Boys Of Dungeon Lane cumple con todo lo que un álbum de Paul McCartney debería tener. La vulnerabilidad en su voz le añade un encanto peculiar: es un hombre que contempla un camino cada vez más estrecho con su característico optimismo. Sin embargo, la sensación de pérdida que impregna el álbum no se ve acentuada por la derrota, sino por la oportunidad y un florecimiento tardío del amor. "Hay que vivir el presente, aprovechar cada momento", canta en That Sound. "…A lo largo del horizonte perdido"

El álbum, por supuesto, está repleto de referencias a su carrera, y casi todas las canciones evocan sus inicios. Hay muchas pistas: Never Knows con sus flautas al estilo Fool On The Hill; el final entrecortado de Live And Let Die en Mountain Top; el "oh yeah" a lo Glass Onion en Down South. Es un disco que merece ser escuchado repetidamente, rico y lleno de matices. Sería fascinante verlo interpretado en directo en un local íntimo; quizás el álbum completo y luego una selección de éxitos, ya que merece más que una o dos canciones escondidas en el repertorio habitual de McCartney.

Puede que no sea su Rough And Rowdy Ways, pero sin duda mantiene el nivel que ha establecido desde Chaos And Creation In The Back Yard de 2005. Este es un hombre que sabe que el tiempo apremia y que aún le quedan muchas cosas por hacer.

Joel McIver le concede 4 estrellas en su reseña en la página 101 a la última producción conjunta de Les Claypool y Sean Ono Lennon.

The Claypool Lennon Delirium

The Great Parrot-Ox And The Golden Egg Of Empathy
★★★★
ATO Records ATO 710 (2LP)

El primitivo Les Claypool, famoso por ser el bajista y líder de Primus, deja atrás gran parte del humor mordaz y el funk metal de la banda en esta excelente colaboración con Sean Ono Lennon. Se trata de un álbum conceptual meticulosamente elaborado, acompañado de un cómic de 24 páginas. El tema recurrente recuerda a Primus (un ejército de robots con IA luchando contra un artista y un marinero en un escenario fantástico al estilo de Willy Wonka), pero esta vez la música es pop progresivo de texturas exuberantes.

Véase WAP (What A Predicament) y Heart Of Chrome, temas con títulos ingeniosos que recuerdan a Marc Bolan y ELO, y que resultan aún más a lo Beatle de lo que cabría esperar de la herencia de Lennon. También hay temas más oscuros, donde el humor singularmente retorcido de Claypool cobra protagonismo, pero en general, esta colaboración se centra más en vibraciones brillantes que en experimentación vanguardista.

En la página 103 en su reseña del álbum Long Long Road de Ringo Starr Shaun Curran le concede 4 estrellas.

Ringo Starr

Long Long Road

★★★★

UMR 5700829 (CD, LP)

AÚN EN EL COUNTRY ...

El viejo dicho de Ringo de que toma más decisiones acertadas que desacertadas se cumple sin duda en su regreso a la música country con T Bone Burnett el año pasado; Look Up fue su mejor álbum en décadas. Revitalizado, Ringo reunió a la banda en poco tiempo, con Burnett coescribiendo y produciendo otro disco country muy disfrutable en el que Ringo luce muchos papeles (de vaquero): amante desconsolado en la balada de desamor She’s Gone y compañero enamorado en You and I; trovador en la potente Baby Don’t Go, con aires de rock del desierto; y en la canción que da título al álbum, con la participación de Sheryl Crow, reflexiona sobre el viaje de la vida, con un interludio hablado incluido. Una versión rockera y country de Choose Love de 2005, con referencias a los Beatles y con St. Vincent en los coros, es un mensaje muy acorde con su estilo en un mundo convulsionado.

En la sección 'LIVE' en la página 118 Stephen Conn nos comparte su reseña de los conciertos de Paul McCartney en el Fonda Theatre los días 27 y 28 de marzo de 2026.

Paul McCartney 

Los Angeles, La Fonda Theater

27-28/3/26

Luego de su inspiradora gira por Estados Unidos en 2025 y el prometedor documental sobre su etapa en solitario, Man On The Run, Paul ofreció dos conciertos en el Fonda Theater. La arquitectura de estilo neocolonial español permitió una mayor intimidad en la acústica de canciones como Blackbird, una mayor precisión en la potente Let Me Roll It, y los tonos aterciopelados del guitarrista Rusty Anderson brillaron con luz propia en Something. Además, Paul sorprendió a todos con algunas sorpresas en su repertorio, incluyendo su oda a Linda, Every Night, y su primer éxito con melena al estilo mohicano, From Me To You. La gira europea es inminente, y el Sr. Helen Wheels está emergiendo como una flor.

PAUL McCARTNEY EN FASCÍCULO DE JUNIO DE CLASSIC ROCK ITALIA

El fascículo 154 de Classic Rock Italy que corresponde a junio 2026 y trae a Genesis en portada incluye material relacionado a Paul McCartney y Dave Mason.

En la página 12 se incluye una nota sobre el desaparecido Dave Mason:

DAVE MASON (10 mayo 1946 - 19 abril 2026):

Traffic, Jimi Hendrix, George Harrison, Delaney and Bonnie, Derek and the Dominos, Mama Cass, Fleetwood Mac: sesenta años en la cima del rock. Con él, otro gigante nos deja.

Dave Mason, guitarrista fundador de Traffic y aclamado solista, falleció a los 79 años. Su familia emitió el siguiente comunicado: "El domingo 19 de abril, tras preparar una deliciosa cena con su amada esposa, Winifred, se echó una siesta con su dulce Star (la perrita maltesa) a sus pies. Falleció en paz, en su sillón favorito, rodeado del hermoso Valle de Carson que tanto amaba. Un final de cuento de hadas. A su manera. Y así vivió su vida hasta el final. Deja una huella imborrable en la banda sonora de nuestras vidas y en los corazones que tocó. Su legado será atesorado para siempre"

Mason nació en Worcester, Inglaterra, en 1946. Comenzó su carrera con Traffic en 1967, cuando Steve Winwood, quien se había dado a conocer como un joven prodigio con el Spencer Davis Group, dejó ese grupo para trabajar con Mason, Jim Capaldi y Chris Wood, tres músicos a quienes había conocido durante las sesiones improvisadas nocturnas en el Elbow Room, un local bohemio de Birmingham.

Mason compuso el primer éxito de Traffic, el clásico psicodélico "Hole in My Shoe", pero se marchó poco después del lanzamiento de su primer álbum, para regresar meses más tarde con la canción que se convertiría en su siguiente éxito, "Feelin' Alright". Sin embargo, poco después se marchó por segunda vez. 

"Con el segundo álbum, la discográfica lanzó todas mis canciones como sencillos, y para los demás, esa fue la gota que colmó el vaso", reveló a Classic Rock en 2019. "Steve diría más tarde que yo no era más que un invitado no deseado en el grupo. Siempre pensé que en Traffic, nuestras diferencias eran lo que nos hacía grandes, pero no fue así. Los tres me dejaron claro que ya no había lugar para mí en un grupo que yo mismo había fundado"

Mientras tanto, Mason estaba ocupado con otros artistas. Le presentó a Jimi Hendrix "All Along the Watchtower" de Bob Dylan y tocó en la versión de esa canción grabada para ELECTRIC LADYLAND. También tocó el shehnai, un oboe indio, en "Street Fighting Man" de los Rolling Stones, y colaboró ​​en el triple álbum de George

Harrison posterior a los Beatles, 'ALL THINGS MUST PASS'. Salió de gira con Delaney y Bonnie and Friends, y se unió a Derek and the Dominos de Eric Clapton para un concierto en Londres. A partir de 1970, se centró en su carrera en solitario — salvo una breve reunión con Traffic en 1971 —, publicando más de una docena de álbumes entre 1970 y 2023, y colaborando con artistas como Mama Cass (en DAVE MASON & CASS ELLIOT de 1971), Stevie Wonder, Michael Jackson (en el sencillo "Save Me" de 1980), David Crosby, Stephen Stills, Graham Nash y Phoebe Snow. 

Entre 1993 y 1995, reemplazó a Lindsey Buckingham en una versión de Fleetwood Mac que él mismo describió como "una banda de covers": “Fue una experiencia interesante, pero también muy complicada porque había tres managers diferentes, así que tardamos una eternidad en decidir algo”, le contó a Classic Rock. “Hicimos ese álbum

[TIME, de 1995] que nadie conoce, y Warner Brothers no lo promocionó en absoluto; hicimos un par de giras por Europa y Estados Unidos, y ahí se acabó. No fue uno de mis periodos más productivos”. Le siguieron otros mejores, durante los cuales Mason volvió a actuar con su nombre real, intensificando su actividad de conciertos y tocando más en la última década de su vida que en su juventud. 

En septiembre de 2024, se vio obligado a cancelar los últimos 11 conciertos de una gira por Estados Unidos después de que los médicos le diagnosticaran una grave afección cardíaca durante un chequeo rutinario. “Me duele mucho tener que cancelar estas fechas, pero son órdenes del médico”, dijo. “Volveré, mejor que nunca, en 2025”. Pero cuando llegó 2025, Dave Mason anunció su retiro. Nunca volvió a los escenarios.

Entre las páginas 24 y 29 Luca Perasi publica una amplia nota sobre los viajes previos de Paul McCartney a sus recuerdos de Liverpool en su discografía como anticipo de su nuevo álbum:

VIVÍ EN PENNY LANE

El nuevo álbum de Paul McCartney, THE BOYS OF DUNGEON LANE, promete ser un viaje a través de los recuerdos de su juventud y es solo el último capítulo de una historia de amor, la de Paul y Liverpool.

Texto: Luca Perasi

El gran poeta estadounidense Delmore Schwartz dijo que en cada etapa de nuestra vida aspiramos a regresar al estado de la infancia. No es casualidad que esos recuerdos sean mucho más nítidos que los acontecimientos más recientes. El inminente lanzamiento del nuevo álbum de Paul McCartney, THE BOYS OF DUNGEON LANE, que promete ser un viaje a través de los recuerdos de su juventud, es, sin embargo, solo el último capítulo de una historia de amor, la de Paul y Liverpool, que se insinúa con frecuencia, a veces casi imperceptiblemente, en su discografía en solitario. Es un hilo conductor sutil que no tiene un enfoque nostálgico, sino que reafirma la importancia que esos años formativos tuvieron en su personalidad y expresa la fascinación de reconsiderar su propia vida y destino a la luz de lo que le precedió.

Son recuerdos a menudo despreocupados y de tono dulce que evocan estados de ánimo, sueños, pasatiempos, la sorpresa ante el mundo que los rodea, el descubrimiento de las propias inclinaciones, amigos, familiares, gente común... En resumen, Liverpool ha permanecido en lo más profundo del corazón de Paul; sus canciones lo narran con pinceladas rápidas y ofrecen un retrato vívido y auténtico. Recuerdos y referencias que se han intensificado con el paso de las décadas, adquiriendo diferentes formas y significados, cada vez con distintas intenciones y perspectivas. La primera canción que presenta cronológicamente una de estas conexiones es "Teddy Boy" (1970). Hay todo un microcosmos en esta canción, que Paul ha definido como un "psicodrama": está el primo Ted, están los matones de la ciudad vestidos con abrigos negros, y está el propio Paul a los catorce años, porque "Teddy es una versión de mí mismo, intentando consolarme mientras supuestamente consuela a mi madre". Tanta rabia reprimida en esta tierna melodía.

De primo a tío, el paso es corto. Uncle Albert (1971) está inspirado en un tío anciano, Albert Kendall, a quien le gustaba beber en fiestas en casa, algo típico de aquella época, donde el alcohol era la droga para los mayores. "Cuando el tío Albert estaba borracho, solía pasearse por la casa con la Biblia en la mano, citando pasajes como si estuviera dando un sermón", recordó McCartney. Así que, tío Albert, lo siento si los jóvenes fumamos marihuana hoy en día, dice Paul en esencia.

SIEMPRE HAY FIESTA EN CASA

En Let 'Em In (1976), otra evocación de las reuniones festivas de los años 50, tradición que Paul reviviría, hay espacio para varios miembros de la familia. La tía Gin y el hermano Michael se mezclan con nombres que recuerdan a otros seres queridos o amigos: la hermana Suzie es Linda, Phil y Don son los Everly Brothers, mientras que el "hermano John" es John Eastman, o quien prefieras. La infancia y la adolescencia también se exploran en Ballroom Dancing (1982). Por un lado, están las fantasías lúdicas de Paul cuando era niño. "Son imágenes que remiten a los juegos de la infancia", explicó McCartney. "Alfombras voladoras, fingir ser Davy Crockett, imaginar navegar por el Nilo en una taza de porcelana..." . Luego pasamos a los recuerdos de los salones de baile, donde los adolescentes se enfrentan a sus primeros intentos tímidos de conectar con el sexo opuesto. “Cuando George y yo vivíamos en Speke, solíamos ir al salón de baile local”, dijo Paul. 

“No nos atrevíamos a invitar a bailar a ninguna chica… Luego llegaba el último baile y pensábamos: ‘¡Ay, no, hemos tirado el dinero!’. Íbamos solo para ‘tocar’ a alguna chica… ¡Pero la mayoría de las veces éramos demasiado tímidos para acercarnos!”

Los veranos en el campamento Butlins sirvieron de telón de fondo para Good Times Coming (1986); Paul y su hermano pequeño Michael pasaban parte de sus vacaciones allí ("Era la época de los pantalones cortos, era humillante", bromeó McCartney, recordando la imposición de su madre). En 1953, los dos actuaron juntos por primera vez en un escenario, cantando "Bye Bye Love", antes de que Paul interpretara "Long Tall Sally" de Little Richard, un anticipo de lo que estaba por venir. El joven Paul era un amante de la naturaleza, que rodea Liverpool con una exuberante vegetación, con bosques y prados hasta donde alcanza la vista. "A dos millas de la ciudad, entras en el campo", recordó McCartney. "Había un pueblecito llamado Hale, un lugar precioso con tejados de paja, un verdadero paraíso" 

Once Upon a Long Ago (1987) nos transporta a aquellos momentos despreocupados, cuando corría con globos en las manos o iba de excursión a la playa. Todo el éxtasis del joven Paul queda plasmado en la personificación de los elementos de la naturaleza ("Dunas desoladas con mucho que decir")

Cabe destacar una singular referencia a Liverpool en "Atlantic Ocean" (grabada en 1987 pero publicada en 1997); la canción menciona Penny Lane y alude al comercio de esclavos, en cuya historia la ciudad natal de Paul desempeñó un papel importante.

DURANTE LA ÉPOCA ESCOLAR

En 1988, McCartney estrechó aún más su vínculo con su ciudad al decidir involucrarse en el destino del imponente edificio victoriano que había albergado su escuela desde 1825, el Instituto de Secundaria para Varones de Liverpool, que por aquel entonces estaba abandonado y en ruinas. El compromiso de Paul no solo se tradujo en financiación, sino también en una participación activa en todas las fases de la reconstrucción: cada subvención estaba condicionada a la finalización de una etapa del proyecto. Esta fue la transformación de la escuela en el Instituto de Artes Escénicas de Liverpool, inaugurado el 7 de junio de 1996 en presencia de la Reina Isabel II. Incluso hoy, McCartney asiste a las ceremonias de graduación e imparte conferencias sobre composición musical. Ese mismo año, durante una visita al instituto, Paul aprovechó para recorrer las aulas abandonadas del edificio, contando anécdotas divertidas sobre sus profesores. Todo quedó grabado y se convertiría más tarde en el documental Echoes (2004), que termina con Paul tomando su guitarra acústica e interpretando "In Liverpool"

 Es un retrato en blanco y negro de la ciudad, muy alejado de la exuberancia caleidoscópica de Penny Lane: muestra un contexto popular de clase trabajadora, inmerso en la pobreza de la posguerra. Con su tono impresionista, la canción repasa una serie de personajes y situaciones: un hombre en el autobús hablando solo y recitando de memoria los nombres de todos los comediantes que conoce; el muelle donde los manifestantes pronuncian sus discursos; los paseos por Dungeon Lane; el perro tuerto Prince; y Soft Sid, el tonto del pueblo. En cambio, encontramos la sabiduría popular de su padre, Jim, en Put It There (1989), un conmovedor sketch inspirado en una frase que Paul y su hermano Michael le oyeron pronunciar en respuesta a sus quejas cuando tenían que cargar algo pesado: "Ponlo ahí, aunque pese una tonelada". "Me da asco cada vez", decía Paul, enfatizando su significado sentimental. 

Si hay un precedente para THE BOYS OF DUNGEON LANE en cuanto a la amplitud de sus referencias autobiográficas, es la obra de música clásica LIVERPOOL ORATORIO (1991), escrita por McCartney y el maestro Carl Davis, que se estrenó en la Catedral de Liverpool. Basada libremente en la infancia de Paul, esta obra contiene muchas referencias a ese período. La apertura disonante, 'War', que recrea el efecto de las bombas lanzadas sobre la ciudad en 1942, año del nacimiento de McCartney, introduce al oyente en ese momento histórico y establece el tono de toda la obra. El segundo movimiento, 'School', reúne fragmentos de la vida durante sus días escolares, cuando Paul se escapaba de clase con sus compañeros y visitaba el cementerio de la Catedral. 

"La escuela era un manicomio, eso es lo que era", recordaba McCartney. "Lanzábamos globos de agua llenos de orina. Hacíamos novillos. Íbamos al cementerio de la catedral, que estaba cerca de nuestra escuela. Muy irrespetuosos, nos quitábamos las camisetas y tomábamos el sol sobre las lápidas". En el aria 'Tres Conejos', Paul recuerda a la Sra. Inkley, la profesora de español, bromeando sobre la curiosidad que despertaba su extraña petición de que la llamaran "señor", lo que provocaba hilaridad. La juventud impregna Summer Of ’59 (2005), el verano del decimoséptimo cumpleaños de Paul ("¡Solo tenía diecisiete!"); podemos oler los dientes de león en el campo y admirar los vestidos de las chicas: parece una pintura al aire libre. La escuela también aparece en Feet In The Cloud (2007). "Mis profesores eran un grupo de gente muy lúgubre", recordó Paul. "¡Algunos estaban completamente locos!"

'Cuando mi hermano y yo le preguntábamos a papá por qué teníamos que hacer algo, él respondía: "Porque las gaviotas no tienen pelo en el pecho"'

Paul McCartney

EL ECO DE LA JUVENTUD

En el álbum NEW (2013), tres canciones están impregnadas de recuerdos de juventud. "Queenie Eye" toma su nombre del juego que Paul jugaba con sus amigos de niño en la calle. "Alguien se alejaba, lanzaba la pelota por encima de su cabeza y uno de nosotros la atrapaba. Entonces decíamos: 'Queenie Eye, Queenie Eye, ¿quién tiene la pelota?. Yo no la tengo. No está en mi bolsillo. O-U-T se deletrea fuera'. Y cuando decíamos 'fuera', podían darse la vuelta, mirarnos e intentar adivinar quién la había atrapado" 

"On My Way To Work" explora el tema de los primeros trabajos del joven Paul, como ayudante en un camión o empaquetador en una fábrica. Intentando dormir lo máximo posible entre entregas, los viajes en autobús para fichar a tiempo: el trabajo en aquella época estaba lleno de preocupaciones reales. Detalles como Paul admirando a bellezas con poca ropa en revistas son muy cinematográficos. En "Early Days", Paul también entrelaza una serie de flashbacks con imágenes de la vida cotidiana: él y John caminando con guitarras a la espalda, con el pelo engominado, recuerdos de visitas a tiendas de discos para escuchar a sus ídolos del rock and roll. "Recordar esos momentos me llenó de alegría, y nadie me la puede quitar"

THE BOYS OF DUNGEON LANE aparecerá reseñado en Classic Rock No. 155.

(Traducido y editado por Carlos E. Larriega para Mundo Beatle)

DOS BALADAS DE LENNON: 180 GRADOS OPUESTAS

En 2025, la columna 'Lennon Matters' de CultureSonar inició una serie sobre las canciones intrínsecamente melódicas de John Lennon. Tras una pausa de seis meses, retomamos este estudio con un análisis de dos de las baladas más aclamadas de Lennon: dos canciones que, a primera vista, parecen completamente opuestas

Por: Jude Southerland Kessler

Cuando William Mann escribió su ahora famoso (John diría "infame") artículo para el London Times, proclamando a Lennon y McCartney como "los compositores ingleses más destacados de 1963", Mann citó específicamente dos canciones de Lennon como ejemplos de la excelencia inesperada (e inigualable) del grupo. Mann afirmó que la conmovedora "Not A Second Time" de John poseía una emotiva "cadencia eólica", una cadencia que, según Mann, contenía "la misma progresión de acordes que finaliza "Song Of The Earth"  de Mahler" . También elogió "This Boy" de Lennon, una canción en la que "cadenas de clústeres pandiatónicos" hacían que la melodía fuera extraordinaria. No era un elogio menor viniendo de uno de los críticos musicales más venerados del Reino Unido. Claramente, el catálogo musical de John Lennon —desde el Día Uno hasta "Woman" de 1980 — distaba mucho de ser "meramente rítmico"

Ciertamente, John podía escribir una canción con uno o dos acordes… o una o dos notas. “Tomorrow Never Knows” de John encaja en esa descripción, al igual que su tierna confesión, “Julia”, con su patrón de ligeras variaciones en Do. Paul McCartney hace lo mismo con “Helter Skelter” (usando transiciones alrededor de Fa) o “Rocky Racoon” (construida sobre transiciones alrededor de Do).  Pero la evaluación demasiado simplista del trabajo de John como basado en un solo acorde o una sola nota no se aplica a las decenas de canciones de Lennon escritas a lo largo de dos décadas de inolvidables melodías de los Beatles y en solitario, incluyendo “It’s Only Love”, “In My Life”, “Goodnight” (que le dio a Ringo Starr para que la cantara), “Because”, “No. 9 Dream” y “Grow Old With Me”. Miremos más allá de la partitura a dos de las baladas más artísticas de Lennon.

If I Fell

En su libro 'John', Cynthia Lennon revela que John le preguntaba constantemente: "No me vas a dejar, ¿verdad?". Cynthia cuenta: "Quería pruebas diarias de que era lo más importante para mí. Estaba celoso de mi mejor amiga, Phyl"

La letra de "If I Fell" refleja la profunda inseguridad de John, una incertidumbre generada por el abandono parental que sintió a los cinco años. Años después, John descubriría que su padre no lo había abandonado, sino que su tía Mimi le había prohibido escribirle y comunicarse con él. De igual forma, tras la muerte de John, su tía Mater le informó a Julia Baird (su hermanastra) que su madre, Julia, se vio obligada a entregar a John a Mimi y George Smith para que el niño pudiera ser criado en "un hogar aceptable". Si John hubiera conocido estos dos secretos, la historia podría haber sido diferente. Su miedo al abandono podría haberse mitigado. Su profunda tristeza habría sanado. Sin embargo, cuando John escribió "If I Fell", desconocía ambas cosas. Escrita desde el abismo junguiano del dolor punzante de la infancia, la balada de John revela el corazón roto de un niño abandonado.

                                                             If i Fell

La poesía de esta canción es apropiadamente infantil: sencilla y conmovedora. Es una súplica vulnerable. John le pide a su nuevo amor que no lo abandone como lo hizo otra mujer: "Si te entrego mi corazón, debo estar seguro desde el principio de que me amarás más que ella…". Busca la promesa de que, si se enamora, su nueva chica le "promete serle fiel", un juramento de que no "huirá ni se esconderá" ni le "romperá el corazón como ella". Esta balada desgarradora fluye orgánicamente de un hombre cuyas heridas han dejado marcas en su confianza y que confiesa con franqueza: "Porque no podía soportar el dolor". Con un lenguaje sencillo, John revela un espíritu herido pero esperanzado, dispuesto a confiar una vez más.

El arreglo musical de "If I Fell"  amplifica y da vida a los matices emocionales de la letra de Lennon. Al describir la canción como "maravillosamente tierna", Wilfred Mellers explica en Twilight Of The Gods el importante papel de la melodía, la armonía y la instrumentación de Lennon para sumergir al oyente en su historia personal. "La sección central" , afirma Mellers, "con un sorprendente acorde de novena, nos hace conscientes de que existe un posible dolor en esta experiencia amorosa, pues parece haber 'otra mujer' que lo ha herido... El dolor será soportable si el nuevo amor es real y eterno; pero el dolor, sin embargo, existe, provocando oscuras tríadas subdominantes y un ritmo ligeramente más agitado"

Y la armonía de la canción también cuenta la historia. En Long and Winding Roads, The Evolving Artistry of The Beatles, Kenneth Womack afirma que esta balada de "un alma desconcertada... cobra vida gracias a una de las armonías más bellas y conmovedoras de Lennon y McCartney".  Tim Riley señala que la canción casi parece haber sido escrita en armonía. En Tell Me Why, observa: “…ambas líneas son tan líricas que es difícil decir cuál es la ‘melodía’”. (pg. 102) . De hecho, Spignesi y Lewis en 100 Best Beatles Songs señalan que, si bien la letra es simple, “la composición de John es musicalmente sofisticada”. Califican la introducción como una “obra maestra”, que deja a los oyentes “con los ojos bien abiertos ante los intrincados cambios de John”. Si bien la melodía es directa, los cambios de acordes de Lennon llevan al oyente por un torbellino de emociones, desde la euforia hasta la angustia.

Lennon llamó a "If I Fell" su "primer intento de balada propiamente dicha", aunque quienes adoran la conmovedora "This Boy" de 1963 discreparían. Pero es evidente que John estaba orgulloso de la emoción, la honestidad y el arte que plasmó en esta hermosa balada para A Hard Day’s Night. Incluso se refirió a "If I Fell" como "la precursora de ‘In My Life’"

¡La siguiente balada de Lennon se aleja tanto como puede hacerlo una canción! . Es…

Help!

Sin duda una de las canciones más conmovedoras de Lennon, "Help!" fue, por necesidad, transformada en un tema de apertura alegre, enérgico y lleno de amor, una canción pop inspiradora que abría y cerraba la segunda película de The Beatles producida por United Artists, Help! (y también el LP de la banda sonora). Sin embargo, la canción fue escrita inicialmente como una balada suave. (Spignesi y Lewis se refieren a la versión original de John como "una canción folk al estilo de Dylan"). Al escuchar a Tina Turner interpretar la canción (aunque modifica la melodía del estribillo), podemos vislumbrar la idea original de Lennon:

                                                   Tina Turner interpreta "Help!"

Comprendiendo la necesidad de George Martin (y de United Artists) de un tema principal animado, John accedió a grabar la versión que ahora conocemos de "Help!". El 13 de abril de 1965, fue lanzado por EMI. Pero en 1980, John le recordó a David Sheff que, aunque "la mayoría de la gente piensa que es solo una canción rápida de rock 'n' roll... en realidad estaba pidiendo ayuda a gritos". John admite que cuando escribió "Help!" estaba "gordo, muy inseguro", un alma que se había "perdido por completo" (Entrevistas de Playboy). Fue este John quien creó la emotiva balada que nunca llegó a nuestros oídos.

Durante años, el público en general nunca se percató de que la canción emblemática de Help! era, como afirma Walter Everett, un marcado contraste entre los recuerdos de John del pasado y la situación presente, un dilema que Lennon explora nuevamente en "She Said She Said" y "Strawberry Fields Forever" (The Beatles as Musicians). "Help!"  se presenta como una canción alegre y desenfadada, una introducción animada al caos de la película. Pero al escuchar con atención, se puede percibir la necesidad y la ansiedad en la voz de John en "¿No me ayudarás, por favor?". Y la letra del segundo verso está cargada de una profunda depresión que ni siquiera la música frenética puede ocultar.

 El 14 de junio de 1965, Paul McCartney grabó la hermosa "Yesterday" (posiblemente su mejor balada) en el mismo lugar donde John había grabado "Help!". Si a Lennon se le hubiera permitido presentar "Help!"  para el público tal como se concibió originalmente, ambos compositores habrían creado sus baladas más memorables con tan solo ocho semanas de diferencia. Y John, quien más tarde lamentó que la música y el tono de "Help!" no reflejaran adecuadamente su letra (Spignesi y Lewis), habría sido reconocido, junto a su compañero, como el poderoso compositor de baladas que es. Durante las últimas tres décadas, a John se le ha clasificado cada vez más como "Lennon el rockero" y a Paul como "McCartney el compositor de baladas". Esto es, por supuesto, una simplificación excesiva; en realidad, ambos eran compositores con un talento único, que crearon grandes éxitos en ambos géneros.

 Durante los próximos doce meses, continuaremos explorando las canciones "intrínsecamente musicales" de John Lennon, incluyendo "You've Got to Hide Your Love Away", "Yes It Is" y "Across the Universe". Espero compartir este recorrido con ustedes.

(Publicado en CultureSonar el 19 de mayo de 2026)
[Traducido y editado por Carlos E. Larriega para Mundo Beatle]

SE SUBASTA LA FLAUTA DE UNA ICÓNICA CANCIÓN DE THE BEATLES

Por: Matty Edwards

La flauta que aparece en la icónica canción de los Beatles, "The Fool On The Hill", saldrá a subasta.

Propiedad del reconocido flautista británico Jack Ellory hasta su fallecimiento en 2009, la flauta se venderá en una subasta en Gardiner Houlgate, Wiltshire, el 12 de junio, y se espera que alcance un precio de venta de 20,000 libras esterlinas.

Ellory fue un prolífico músico de sesión que participó en grabaciones de música clásica y pop, así como en las bandas sonoras de las películas de James Bond de la época de Sean Connery, las películas de la Pantera Rosa y el musical Oliver!

Su hijo, Brian Ellory, expresó su esperanza de que el instrumento restaurado, que se mantenía unido con gomas elásticas cuando lo heredó, vaya a parar a manos de alguien "que pueda hacer música con él" y "aprecie su increíble historia"

En 1967 el productor de los Beatles, George Martin, le pidió a Ellory que tocara la flauta en "The Fool On The Hill", que se grabó para su proyecto 'Magical Mystery Tour' y alcanzó el número uno en las listas británicas.

La flauta también se utilizó en numerosos anuncios de la época, incluyendo la campaña 'Fruit and Nutcase' de Cadbury, que presentaba la Suite del Cascanueces y que posteriormente fue votada como uno de los mejores anuncios del siglo.

Brian Ellory dijo: "Quería aprender a tocarla, pero pronto descubrí que no tenía talento"

"Soy el último miembro de mi familia que conoce la historia de la flauta y la carrera de mi padre, así que es mejor que la venda yo antes que mis hijos cuando ya no esté", añadió.

Jamie South, subastador de Gardiner Houlgate, comentó: "Este es un instrumento extraordinario que perteneció a un músico extraordinario"

"La carrera de Jack Ellory abarcó todo el panorama musical de mediados del siglo XX, desde tocar en orquestas dirigidas por Toscanini y Sir Thomas Beecham hasta grabar algunos de los momentos musicales más importantes de la cultura popular, incluyendo a Sinatra y Bing Crosby"

(Publicado en BBC el 20 de mayo de 2026)
[Traducido y editado por Carlos E. Larriega para Mundo Beatle]

DOS CONFERENCIAS ESPECIALES SOBRE GEORGE MARTIN Y LOS ESTUDIOS ABBEY ROAD EN EL MES DE JUNIO

Los estudios Abbey Road volverán a abrir sus puertas al público para ofrecer conferencias especiales en el mes de junio. El público asistente podrá explorar el legado del productor musical George Martin y el rol de los estudios Abbey Road a través de dos conferencias inmersivas con Kevin Ryan y Brian Kehew, que revelarán archivos inéditos, técnicas revolucionarias y las historias detrás de algunas de las grabaciones más influyentes de la historia de la música.

Conferencia uno

George Martin: Las partituras
Conferencia con Kevin Ryan y Brian Kehew

Una exploración de 'George Martin: Las Partituras', una publicación de tres volúmenes basada en el archivo personal de manuscritos de Sir George Martin, hasta ahora desconocido.

Ryan y Kehew comparten sus conocimientos tras una década de investigación sobre estas partituras orquestales manuscritas originales, ofreciendo una perspectiva única del proceso creativo detrás de las grabaciones de The Beatles y otros artistas.

La conferencia incluye imágenes de archivo, material recientemente descubierto y grabaciones exclusivas de los arreglos de Martin regrabados en el Estudio Dos.

Conferencia Dos

Historias en Sonido
Conferencia con Kevin Ryan y Brian Kehew

Una exploración inmersiva del papel de Abbey Road en el desarrollo de la música grabada
desde las primeras innovaciones en estéreo hasta las técnicas que aún se utilizan hoy en día, Historias en Sonido recorre los 95 años de historia del estudio a través de la música, las imágenes y la narración.

Esta presentación, que tendrá lugar en el Estudio Uno, reúne grabaciones clave, momentos culturales y a las personas que les dieron vida.

Esta presentación, que tendrá lugar en el Estudio Uno, reúne grabaciones clave, momentos culturales y a las personas que les dieron vida.

Las conferencias se impartirán el viernes 19 y el domingo 21 de junio.

Para más información y entradas, visitar:

https://lwtickets.co.uk/whats-on/abbey-road-summer-lectures/

SUSPENDEN RODAJE DE 'HAMBURG DAYS' TRAS LA MUERTE DE LUNA JORDAN

La producción de la serie sobre los Beatles, 'Hamburg Days' , ha suspendido el rodaje tras el fallecimiento de la actriz Luna Jordan (2000-2026). El equipo de producción confirmó la medida tras ser consultado por la agencia de noticias Spot On News. El primer comunicado oficial dice:

"Luna Jordan, quien interpretaba a Astrid en 'Hamburgo, falleció repentina e inesperadamente el miércoles. Estamos profundamente afectados por esta pérdida. Nuestras condolencias a su familia y pedimos que se respete su privacidad durante este momento tan difícil"

La producción no ha hecho más comentarios por el momento.

Jordan, quien falleció repentinamente el 13 de mayo a la temprana edad de 25 años, iba a interpretar a la fotógrafa y artista Astrid Kirchherr (1938-2020) en 'Hamburg Days' . La
artista nativa de Hamburgo fue quien les dio a los primeros Beatles su icónico peinado y cuya influencia en el estilo y la imagen de la banda sigue siendo visible hasta el día de hoy. Habría sido el papel más destacado en la aún joven carrera de Jordan.

La miniserie de seis episodios de ZDF y la BBC narra los años de formación de los Beatles en Hamburgo a principios de la década de 1960. El rodaje comenzó a principios de mayo en Hamburgo, Múnich y Liverpool. La serie se basa en la autobiografía de Klaus Voormann, el artista de Hamburgo que descubrió a la banda en los clubes de St. Pauli y que colabora como asesor en la producción. Casper von Bülow lo interpreta en la serie.

El reparto cuenta con otros nombres conocidos: Rhys Mannion interpreta a John Lennon, Ellis Murphy a Paul McCartney, Harvey Brett a George Harrison, Paddy Gilmore a Pete Best y Louis Landau a Stuart Sutcliffe.

La serie está dirigida por Christian Schwochow, conocido por su trabajo en 'The Crown', y Laura Lackmann. Los guiones son de Jamie Carragher y la fotografía corre a cargo de Frank Lamm, quien recientemente trabajó en 'Andor'. La banda sonora corre a cargo de David Holmes, ganador del premio BAFTA.

Aún se desconoce la fecha de estreno de 'Hamburg Days'. Debido al fallecimiento de Jordan y a la interrupción de la producción, es probable que la fecha de estreno se modifique.

(Publicado en MSN el 18 de mayo de 2026)
[Traducido y editado por Carlos E. Larriega para Mundo Beatle]